邮票知识大全
1478，漩涡双耳喷口杯（Cratère de Vix）是1953年出土于法国塞纳河畔沙蒂永（科多尔省）以北维克斯村的凯尔特公主墓，（塞纳河畔）沙蒂永地区博物馆收藏，邮票图案是青铜杯局部细节。
这个喷口杯从制作工艺上看饰以各种希腊风格的立雕和浮雕，应该是前525年左右意大利南部的一个希腊科林斯工场制作的。它高米、重千克、容量1100升，是现存欧洲上古时期最大的青铜容器。在古代喷口杯被用来制作酒水，人们总是用水稀释酒并与各种香料混合，在仪式或节日庆祝活动中分发给客人。因为它的巨大体积和它从大希腊工场到维克斯的漫长距离，这个喷口杯令人十分震惊。
它的把手有吐舌咧嘴的戈尔贡图案，根据希腊人的说法，这些装饰着各种武器和物品的神话生物可以辟邪。门楣有高浮雕的铆接青铜贴花装饰，内容是战车和重装步兵，马匹是最令人注目的部分，它们优雅的造型在不同的平面上相互跟随，一些马的头部完全脱离了支撑物，精心雕琢的鬃毛被表现为辫子状、波浪状、波峰状或打结在额头上，对马的表现所给予的关注显示了希腊人对动物艺术的兴趣。
盖子上的女性雕像造型非常简洁，她拿着一个杯子和一个倒酒器，她应是在酿酒，一种液体祭品，这种做法在希腊的图像中经常与战士的离开有关，因此喷口杯的装饰也许是为了颂扬士兵的勇气。
*这枚邮票获得1966 年集邮艺术大奖
1479，乔治·德·拉图尔的作品《新生儿》(1648)，雷恩美术馆收藏。
乔治·德·拉图尔（Georges de La Tour，1593-1652）是北欧、意大利和法国文化交汇处的艺术家，他最出名的是“卡拉瓦乔式”的风俗场景，即他对明暗对比效果的戏剧性运用，他完美地掌握了意大利画家卡拉瓦乔所定义的明暗法则。
拉图尔关心的是如何不加掩饰地表现现实，就像它本身一样；因此他对街景和 _小人物”有明显的兴趣。他的风格巧妙地融合了世俗和神圣：普通人被他的目光放大了；通过描绘他们，他赋予他们尊严，宗教人物以普通人的身份出现。通过光影的相互作用，场景的一部分被隐藏起来，艺术家成功地在他的画作中引入了神秘的元素，邀请我们 _超越现实_，超越我们感官立即感知的事物。
《新生儿》无疑是拉图尔最好的作品，这是一个简单而沉默的夜景：一位母亲将她熟睡的新生儿抱在怀里，而另一位妇女用她左手拿着的蜡烛照亮婴儿的脸，用另一只手将蜡烛的温暖和光线重新指向画布的中心，动作轻柔而准确，和光线一样这些人的脸都转向婴儿也就是画面的中心主体。紧凑的构图邀请我们作为客人观察现场，但要踮起脚尖不发出任何声音，这幅画以其温暖的色调、圆润的形状、明暗的光，以及人物低垂的眼睛和孩子的安眠，邀请我们进入一种充满宁静、温柔和感激的冥想。像婴儿一样在母爱的包裹和保护下，观众发现自己被包裹在一个永恒的时刻，处于一个普遍场景的中心。简洁的构图、人物服装的朴素、有限的色调和中性背景使这一场景具有“永恒”的一面，使其具有明显的现代性。
耶稣诞生是最具代表性的基督教主题之一，是西方艺术史上的标志性场景，曾出现过数千次；所有的博物馆都充满了圣母和儿童的这些场景，周围或多或少有一些人物，捕捉到了这个神圣的启示时刻。我们可以把这幅画解读为“简单的”耶稣诞生：玛利亚怀抱婴儿耶稣，圣亚纳（St. Anne）手持蜡烛。
但即使在古典时期，这幅画在几个方面也是个例外，首先如果我们放大这个新生儿的脸，我们会意识到……他看起来像一个真正的新生儿。古典绘画甚至中世纪绘画中的婴儿（往往是婴儿耶稣）通常很奇怪，具有成人特征和不现实的比例，也许文艺复兴时期的意大利人除外。但是现在好好看看，你以前见过这样有闪亮的鼻翼和半张的嘴巴的婴儿。
最后，这幅画的独特之处在于它非常简单，易于接受：没有复杂的窗帘，没有次要人物，没有宏大的姿态，没有背景的透视或景观。不，这只是……一个新生的婴儿。然而如果仔细观察，人们不禁要问这个孩子是被蜡烛照亮的还是光从他身上发出来的，毕竟火焰被人物的手遮住了......人们猜测它、假设它，但没有看到它，没人能够以如此节约的方式在世俗的耶稣诞生中如此好地表现生命的神圣性。
画面上弥漫着一种完全的平静，其中的面孔被描述为几乎像佛陀一样宁静，仅这幅画就证明了拉图尔的声誉，就像弗美尔的《代尔夫特之景》即使对弗美尔来说也是独一无二的，《新生儿》也超越了这个时代的所有传统。它充满了神圣的柔情，这个场景无疑是艺术史上最感人的、技术上最令人印象深刻的明暗交错的杰作！
1492，巴黎圣礼拜堂的彩色玻璃窗画《西里亚克的洗礼》。圣礼拜堂是一座哥特式礼拜堂，建造的目的在于保存耶稣受难时的圣遗物，始建于1243年，教堂建造了3年成连贯样式，这非常少见，今天只有三分之二的彩色玻璃窗是原品。
圣礼拜堂启用于1248年，下堂充作全部结构的高大基座，上方巨型大窗户顶上有三角墙尖顶，以巧夺天工的彩色玻璃窗著名，内部以镀金和大理石装饰。装饰豪华的礼拜堂上层是真正的圣物藏所，虔诚颂扬耶稣受难的雕塑与彩色玻璃窗使礼拜堂沉浸于光影与色彩之中，使人感觉如同进入天国耶路撒冷一样。礼拜堂的彩色玻璃窗自建成后就享有盛名，15面彩色玻璃窗绘制出1113幕讲述人类历史的场景，从创世纪一直到耶稣复活。其中14面彩色玻璃窗从左到右，从下向上地展示圣经的故事，它们分别是 : 创世纪、出谷纪、户籍纪、若苏厄书、民长纪、依撒依亚与叶瑟之树、福音传道者圣若望与耶稣的童年、耶稣受难、洗者若翰与达尼尔、厄则克耳、耶肋米亚与多俾亚传、友弟德传与约伯传、艾斯德尔传、列王记、耶稣受难圣物的传说、默示录。
这个彩色玻璃窗细节是第14面的一部分，内容是传说中2世纪的犹达·西里亚库斯（Saint Cyriacus of Jerusalem），他是耶稣的兄弟犹达的曾孙，在受洗后担任耶路撒冷主教，也是耶路撒冷的最后一位犹太主教。因此各种目录给出的邮票名称都是_犹大的洗礼_，注意不要与耶稣的使徒犹达斯相混淆...
1493，让·吕尔萨的挂毯作品《月亮和公牛》。
让·吕尔萨（Jean Lurçat，1892-1966）是法国艺术家，因其超现实主义绘画和在20世纪中期将挂毯艺术复兴到现代艺术世界而闻名，被誉为“现代壁毯艺术之父”。他对壁毯工艺的现代化改革既提高了壁毯的生产效率，同时也使得壁毯艺术摆脱了绘画艺术的束缚，成为一种独立的艺术形式。
吕尔萨的作品与野兽主义、立体主义、超现实主义、现代主义和古典主义密切对话，他的作品以动物、自然、宇宙、神话和象征主义等反复出现的主题为特色。让·德·拉封丹写道：“我用动物来教育人类”，吕尔萨在他的一幅挂毯上使用了这个标题，他要表达对一个世界的看法，在这个世界里动物是与矿物、植物和人类世界相衔接的重要角色，是创造的顶峰。他借鉴西方的象征主义，使用尽可能多可理解的元素，卢尔萨的作品是独特的，令人惊讶的。
1494，奥诺雷·杜米埃的作品《克里斯潘和斯卡潘》（1864），巴黎奥赛美术馆收藏。
奥诺雷·杜米埃（Honoré Daumier，1808-1879）是法国雕刻家、漫画家、画家和雕塑家，是法国19世纪最伟大的现实主义讽刺漫画大师。杜米埃用夸张、象征的漫画形式对他所处的社会和统治阶级进行了辛辣讽刺，杜米埃的艺术就像一把锋利的匕首，剖析时代，针砭时弊，深刻地反映了当代人最关心的问题，为我们勾画出了19世纪中叶法国的社会风貌。
杜米埃画风崇尚现实主义，油画从来不注重学院式那种严谨的素描结构，而是在技法上借鉴了_特别是鲁本斯的圆线造型技法，由于油画技法简略不为当时画坛所看重。他的油画创作多以普通劳动者和卖艺人的生活以及他喜爱的文学作品为题，仍同讽刺漫画一样，造型不求形似，只重视色块与形体的神肖，往往以棕色和粉红为基调，运用强烈的明暗对比和遒劲的线条来突出人物形象，粗犷泼辣简练传神，富有强烈的感染力。
克里斯潘和斯卡潘是莫里哀的戏剧《斯卡潘的诡计》中的两个人物。
1479b，邮政博物馆纪念小型张，面值5法郎，《为了邮政博物馆》，内容是乔治·德·拉图尔《新生儿》邮票的印刷阶段。很多材料说这是试色印样，实际不是，在左下角有面值的，目录里也有编号。
*这枚小型张，法国邮票wiki列入“纪念及杂项”，Yvert在线目录认为它是艺术系列，组外品
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1517，亨利·卢梭的作品《朱尼耶老爹的马车》（1908），巴黎橘园美术馆收藏。
亨利·卢梭 （Henri Rousseau，1844-1910）法国后印象派画家，以纯真、原始的风格著称，其作品具有强烈而鲜明的个性和极高的艺术水准，被奉为二十世纪超现实主义艺术先行者。卢梭用孩子们观察事物的方式一丝不苟地描绘眼见的事物，他的画纯真、质朴、充满孩子般的天真烂漫和童话般的幻想。其画作主题包罗万象且充满幻想，风格简约质朴却透露着神秘和幽默，画法稚拙，意境却天真纯净。
《朱尼耶老爹的马车》这幅画是对众所周知在卢梭的存在中占有重要地位的邻里友谊的致敬，克洛德·朱尼耶（Claude Junier）和他的妻子在卢梭居住的地方附近经营一家杂货店，长期以来一直是画家的朋友，1908年卢梭欠了他一些钱，朱尼耶先生当时刚买了一匹他引以为豪的马并同意卢梭给他画一幅画来偿付欠款。在这幅画中，朱尼耶和卢梭本人被描绘在马车的前排座位上，而在后面坐着的是朱尼耶夫人，右边是她的侄女莉亚·朱尼耶，膝上是她侄子的女儿。克洛德也是一名驯马师，尤其为他的白色母马罗莎感到自豪，同样值得注意的是三只狗的存在，这样的家畜集合在卢梭的作品中是罕见的。这组人物完全静止不动就像一个摄影姿势一样，环顾四周，一条异常宽阔且荒凉的小巷的广阔景观在视野中脱颖而出。
卢梭根据一张照片进行创作然而做了一些重要的改变，揭示了他作品的性质。他从林荫道上移走了一棵树，最重要的是他玩弄了三只狗的大小和位置，它们承担着整形的功能。大黑狗给小车带来了深度，众所周知当马克斯·韦伯向卢梭指出相对于整体的规模而言黑狗太大，艺术家反驳说他的画需要这样。另一方面在车前小跑的微型狗增加了母马的纪念意义，这匹母马好奇地站在她的蹄尖上，地面上投下的阴影使这种效果更加突出，跳舞的母马似乎悬浮在太空中，卢梭喜欢这种悖论，它使某些人物漂浮在一个纯粹的象形空间中。
1518，让·克卢埃的作品《法国国王弗朗索瓦一世肖像画》，巴黎卢浮宫博物馆收藏。
让·克卢埃（Jean Clouet，1485-1540）是枫丹白露画派中杰出的代表人物，以现实主义肖像画著称于世，重视线条韵味，追求技艺的精巧完美，具有浓郁的贵族化气息。1498年至1515年间他为路易十二工作，1523年被弗朗索瓦一世任命为“国王最亲密”的画家。
这幅画是文艺复兴时期肖像画的代表作之一，是一部高度“政治化”的绘画，画上的弗朗索瓦一世穿着奢华服饰，象征无上权力的王冠被隐藏到了猩红锦缎背景中。让人印象深刻的是这位国王精致华美的艺术品位，镶嵌珍珠、带有白色鸵鸟羽毛的黑色天鹅绒帽；华丽的黑白条纹缎面上衣饰有奢华的金色刺绣，圣米歇尔勋章挂在他脖子上的金链上；他的右手拿着桌上手套，他的左手握着黄金剑柄，它们都是骑士精神的象征；他狭长的蓝眼睛、精明的眼神、深色的小胡子和胡须使他的脸有一种奇异的吸引力。画作强调了国王令人印象深刻的身材，它占据了整幅画的宽度。的确弗朗索瓦一世身材魁梧、体格强健，这为他赢得了“高贵的冠军”的绰号，并与赫拉克勒斯、凯撒、康斯坦丁和奥古斯都相提并论。国王身体的完美代表了国家身体的完美，他是国家的首脑，是国家的领导者，整部作品就是一位杰出的君主和一位慷慨的文艺复兴时期艺术赞助人的生动写照。
可以说，这是一幅“外交式”的肖像，描绘了法国国王的所有威严，以及与他相称的庄严、宏伟和辉煌。它在不经意间将人物提升到超常的境界，所有人性的弱点全都隐而不见，观众完全被表象的华美所折服。
1530，安格尔的作品《浴女》(1807)，巴约讷的博纳-埃勒博物馆收藏。
让-奥古斯特-多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique Ingres，1780-1867）是法国新古典主义画家，作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。
安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。安格尔从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼（Winckelmann ）的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致重视线条干净和造型平整，每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，尤其突出地体现他的表现人体美的一系列绘画作品中。
这是画家作品中最早的女性裸体画之一，从背部和半身看到的裸体女性形象，已经表达了安格尔的天才素质。这位年轻的艺术家超越了他所接受的新古典主义训练的遗产，从他所崇敬的拉斐尔开始，借鉴了文艺复兴时期意大利画家的艺术。线条的书法韵律压倒了解剖结构的真实性，它的比例和动作既诱人又令人难以置信，肉体充满了感性的柔软，使这幅画具有真正的触觉效果就像系着年轻女子头发的围巾一样。这幅画超越了任何叙事性主题，出色地更新了裸体这一主要主题。
在向大师致敬、东方灵感和色情创作之间，安格尔将在其整个职业生涯中围绕沐浴者的主题继续创作许多杰作，直至1862年完成并保存在卢浮宫博物馆的《土耳其浴》。
1531，特鲁瓦的圣玛达肋纳教堂彩色玻璃窗画《 圣埃卢瓦》，1504 年特鲁瓦的金匠捐助。图案显示珠宝商和金匠的主保圣人金匠圣埃卢瓦（Saint Eloy，588-660）在铺有棋盘格瓷砖的工作室工作，当工件摊开在工作台上时，他左手拿着凿子，右手拿着锤子。在他面前穿着猩红色外套的学徒启动了燃烧炉的风箱，全神贯注地跟随他的主人的工作。
建于12世纪的圣玛达肋纳教堂是特鲁瓦最古老的教堂，教堂内繁复美丽的哥特风格圣坛石雕屏，鲜少在法国其他教堂见到。
在早期基督教和罗马式风格时期，教堂内的光源主要是依靠烛光，但是哥特式风格却是通过采进阳光这一过程使室内呈现灿烂的景象。在当时的所有艺术类型之中，只有在哥特式教堂中，巨大的彩色玻璃窗画其接受的光线是直接的，这也是其它艺术媒介不能达到的光线效果，它的艺术魅力使所有_们都立刻感觉到来自天国的神力。因此当耶稣宣布说：“我就是世界的光”时（若望福音8:12），那些在色彩斑驳的窗户上舞动的光便成为了上帝以及上帝与人之间道路的象征，即使是一个没有接受过任何科学理论和宗教学方面学习的农夫，他也会把光线与神圣、黑暗与卑劣相互联系起来，在从玻璃窗洒射下来的光线的沐浴中，体验着自身与上帝之间的交流。
比起枯燥的说教，彩色玻璃窗无疑更加具有感染力，玻璃窗上的图画大多以圣经故事为内容，内容非常世俗化，不识字的信徒们以此诉诸感观的手段来救赎灵魂，寄托了他们对生活的期望。彩色玻璃窗是随着技术发展产生的，其主要作用是渲染神学的意境并普及神学。
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1640，15世纪一位匿名的萨瓦原始艺术家制作的木板油画《天使报喜》，萨瓦的尚贝里博物馆收藏。
（路加福音第一章）长着白色和红色翅膀的天使长加俾额尔单膝着地，与圣母面对面，他身穿白袍，戴着金边的执事头巾，用一个金扣固定在胸前。他的右手展开了一个条幅，上面写着“万福！充满恩宠者，上主与你同在！（Ave gratia plena Dominus tecum）”，他将左手的食指指向圣母以更好地强调他的话。在她对天使的信息感到惊讶的那一刻，圣母跪在祭坛上沉思着，左手压着一本书，她举起右手既表达着疑问也表达着自己的情感，低头一副臣服的样子。在上半部分，父神手持上面有一个十字架的球体，象征着他对世界的权力，圣灵以鸽子的形式向圣母坠落。圣父和圣灵被描绘在一个金色的背景上，这在传统上让人联想到天堂，但也让人联想到超自然的世界，它被贯穿整个构图宽度的床分隔开来，与自然世界隔开。在下半部分，一个花瓶里装着百合花象征着玛利亚的纯洁和童贞，场景是玛利亚在纳匝肋的卧室，里面有一张床和一个神龛。
1641，让-巴蒂斯特·卡尔波的雕塑作品《花神》（1863－1866），位于巴黎卢浮宫墙面，原作由巴黎奥赛美术馆收藏。
让-巴蒂斯特·卡尔波（Jean-Baptiste Carpeaux，1827-1875）是一位著名的法国雕塑家，他的作品表现出反学院派的倾向，是一位现实主义雕刻家。卡尔波的艺术形象力求真实性和青春的生命力表现，他是运用表情语言和人体语言的高手，能大胆构图不受传统雕塑规范的局限，为罗丹的艺术创作踏出了一条新的现实主义表现路子。在法国雕刻发展演变的长链上，卡尔波这一环直接扣住了罗丹那一环，罗丹虽然未能成为他的入室弟子，但却从他获益匪浅。但他也有些作品为迎合当时上层社会的趣味而流于浮华。
1863年，卡尔波被正式委托为巴黎卢浮宫花鸟陈列馆外墙做装饰，为此制作了《花神》这件雕刻作品，主题是颂扬花神给人间带来幸福与欢乐。浮雕镶嵌在建筑物墙面上，构图中心那个焕发着少女青春美的花神是以裸体来展现的：她蹲踞在地面上，栖身于万花丛中，她将花朵洒向周围的孩子们，女神的表情愉快而生动，并含有古典味道。身边的一群活泼可爱、天真烂漫的小天使有的与花神嬉戏，有的在花丛中钻进钻出，有的在作轻盈的环舞。这些小天使的生动姿态来自雕塑家对生活的认真观察，形象鲜明而生动，花神那曲线优美丰满的裸体使人回忆起古希腊雕刻中的《蹲着的维纳斯》，但这个花神更具有动感。
这块浮雕因造型手法独特而被人们注意，它借助光影来塑造形体，不象通常用压缩形体的办法制作浮雕，而是用近乎圆雕的方法来表达并利用雕塑自身立体空间所造成的光影效果衬托出形体，很有实体感。它跟壁面自然地连接，这就使形体出现在实在的空间中，从而在光的照射下，近似镂空的雕刻手法使暗影衬托出来的实体非常鲜明突出，特别是增加了自由和运动感，而且可以从几个角度去看也不会变形。同时也由于暗影错综变幻，使花朵飞洒飘落的形象特征恰如其分地表现出来，增强了活泼的气氛。
1652，弗朗索瓦·布歇的作品《狩猎归来的狄安娜》，巴黎科尼亚克-热博物馆收藏。
弗朗索瓦·布歇（François Boucher，1703-1770）是法国画家，他在油画和壁画方面都有天赋，还擅长制作瓷器和挂毯，他被认为是洛可可时期最重要的法国历史画家。他的早期作品仍然让人联想到华托，但从1735年开始，他放弃了田园风光转而创作神话，有时是色情和古典的主题。在他最著名的作品中有《维纳斯的胜利》和其他古神的故事，布歇能够以极大的感性和纯真来描述他们的爱情。
布歇并未将女性描绘成古典美的维纳斯，而是醉心于将女性描绘成具有挑逗性、色情和毫不含糊姿势的缪斯女神，她们有着秀柔的、玫瑰色的肉体和娇嫩的皮肤。布歇完美把握了青春的曲线并赋予其神秘的美感，在他看来快乐的年轻女孩象征着青春甜美，虽然没有更重要的价值却无法忽略。作为路易十五宫廷画家和蓬巴杜侯爵夫人的最爱，布歇既受到批评又受到钦佩，今天他的缪斯女神仍然令人着迷。
《狩猎归来的狄安娜》中的狄安娜虽有着几分脂粉气，但没有任何庸俗之感，布歇诠释了她的纯洁与力量。此幅画中，四个女人坐在清泉池塘边，细流潺湲，池塘四围是雾霭朦胧的山谷森林；女神、野生动物和自然的保护者、阿波罗的孪生姐妹狄安娜和三个忠于她的侍女在澄澈的池水里沐浴她那不嫁之身。狄安娜身材曼妙，两腿修长，腰枝纤细；皮肤白皙光滑，通身闪耀着月亮圣洁的光芒；她优雅地将脚上的丝带取下，姿态充满了娇媚和梦幻般的轻盈。红彤彤的面部像太阳的斜辉照在云上生出的红霞一样，又像黎明时刻东方的玫瑰色；美丽的盘发上，低调的珍珠固定着新月头饰，摆出自信的姿态，没有因为旁人的注视而羞涩。狄安娜打猎带回来的猎物分别是两只鸽子和一只兔子，画面左下角的弓箭与猎物衬托出了狩猎女神的主体形象，与纤细、柔嫩的娇艳形成强烈的对比。
布歇不是以“经典”的方式描绘女神，而是利用她来展示他所有的技巧和品味，性感、优雅、对女性身体之美的热爱将伴随着他的整个职业生涯。狄安娜从狩猎中归来是当时一个常见的、亲密的和戏剧性的场景，以意志坚强著称的狄安娜，在这里只表现出优雅的姿态，以一种微妙的姿态摘下脚上的丝带，使之具有轻微的色情特征，而没有任何粗俗的感觉。
1653，埃德加·德加的色粉画作品《拿着花束谢幕的舞者》（1878），巴黎奥赛美术馆收藏。
埃德加·德加（Edgar Degas，1834-1917）是一位法国画家、雕刻家、雕塑家和摄影师。德加富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达使他成为19世纪晚期现代艺术的大师之一。他最著名的绘画题材包括芭蕾舞演员和其他女性，以及赛马。尽管他参加印象派的活动，也受印象派的影响，但他更愿意把自己定义为一名现实主义画家。他的作品通常被认为是属于印象派，也兼具古典、现实主义或者浪漫主义风格。
在十九世纪六十年代德加开始创作以芭蕾舞者为主题的系列作品，为他赢得了“舞蹈女演员画家”的称誉。舞台上的舞女不是名演员也不是社会名媛，而是普通演员，德加的画里也没有故事，他之所以对芭蕾舞女演员感兴趣，并非因为她们是漂亮少女。他似乎不关心她们的心情，他以印象主义者观察周围风景那种冷漠客观的态度去观察她们婀娜的姿态和出其不意的站位来研究人体的运动，探索舞者的身体和行为方式，他关心的是在人体形状上的明暗的相互作用，是他可以用来表现运动或空间的方式。观看排练时，德加有机会从各个方面看到最富有变化的躯体姿势，德加以她们的舞姿为媒介，刻意追寻光与色的表现，描绘出强烈的灯光反射效果。
《拿着花束谢幕的舞者》描述的主题是舞者在演出结束时向鼓掌的观众致意，手中拿着一束五颜六色的花。德加采用聚焦前景主角的快照式画面构图更增强画面真实，但这并未让观察者留下深刻的印象，他们被投射到舞台上的光线打在女孩的肤色上的效果所震撼，这是用白色粉彩渲染的平面区域在浅色、透明色调的衬托下，粉彩的色泽特质十分显著。这幅作品特别令人紧张，因为德加以现实主义手法揭示了困扰这些有抱负的舞者的艰难生活条件。
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1586，亚眠圣母大教堂的浅浮雕《黄道十二宫》中的《二月》。
亚眠圣母院建于13世纪路易八世时期，这座大教堂是古典哥特式艺术的杰作，被列为联合国教科文组织的世界文化遗产。里面有一组保存完好的黄道十二宫浮雕，可以追溯到八个世纪以前，通常被称为皮卡尔（picard）日历或者亚眠十二宫，所描绘的人物根据季节的不同穿着不同的衣服。
亚眠圣母大教堂的黄道十二宫是一组浮雕，位于大立面的基座上，与圣菲尔明门（Saint Firmin，西面的北门）相平。它以四叶草奖章的形式雕刻，并以农业日历为特色，在黄道十二宫和各月工作之间建立了一种对应关系。这些雕刻是以成对的叠加图画来阅读的，上面的代表是黄道十二宫，下面的图画代表相应月份的作品。
双鱼座的这两条鱼与巴黎或沙特尔的鱼很相似，但皮卡尔的艺术家想必熟悉海洋环境，他雕刻了两种大小和嘴巴不同的鱼，一条更细长，让人联想到鲭鱼，而另一条则让人联想到金枪鱼。
双鱼座的月份是以冬天的景象为代表的，是对复兴和美好日子的期待，这是该标志所象征周期的结束。一个穿着带兜帽保暖大衣，头上盖着另一顶兜帽的男人脱掉鞋子（双鱼座与脚对应），赤着脚来到温暖篝火旁取暖； 他用钳子处理一根木头，更可能是一条鱼；在他身后，一小件家具支撑着一个花瓶或者一盏灯。 简而言之现在是冬天，这个主题经常与二月联系在一起。
1587，罗希尔·范德魏登的木板油画作品《勃艮第公爵“好人”菲利普三世肖像画》（大约是1450年），第戎美术博物馆收藏。
罗希尔·范德魏登（Rogier van der Weyden，1400-1464，又称Rogier de la Pasture）是文艺复兴时期弗拉芒画家，“弗拉芒文艺复兴艺术三杰”之一，生前就被视为尼德兰最伟大的画家，通过他的活动扩大了尼德兰画派在国际上的影响。
范德魏登的主要艺术贡献是他的肖像画，他在肖像画方面表现出色，不过尚不能对人物的内在精神作出有个性的刻画，但他能以现实主义手法描绘人物的外貌特征，运用动作和细节描绘来弥补表现人物性格的不足，创造一个理想的形象。在范德魏登笔下的人物肖像多处于静态，背景的风景被处理成独立的风景画，与人物没有什么联系，但画面表现很精致。这种方法很受同时代人的欢迎，并为他在这一领域带来了巨大的成功，他受到大贵族和教士以及富有的资产阶级的追捧，他们希望他为后代记录和美化他们。
好人菲利普 (Philippe le Bon，1396-1467) 是瓦卢瓦家族的第三任勃艮第公爵，在他的统治下勃艮第达到了其繁荣和威望的顶峰。半身像面向右侧身着黑衣，戴着字母B形状的火钢宝石项圈代表勃艮第，手里拿着象征善政的羊皮纸卷，持有他创立的金羊毛勋章。现有的这件作品有多个副本（里尔、安特卫普和巴黎），都是罗希尔·范德魏登创作的，其中第戎版本被认为是最好的。
1588，圣萨万教堂的11 世纪壁画，描绘了萨万和西普里安再次出现在拉迪修斯面前。
加尔唐普河畔的圣萨万修道院（维埃纳省）始建于约公元11世纪，教堂以保存极好的11世纪至12世纪的巨幅壁画而著称于世。祭坛的壁画以圣萨万和圣西普里安殉难的故事为主题；圣坛的壁画表现的是耶稣受难和复活以及教会的兴起；门廊内画的是《新约》默示录中的一些内容；大殿拱顶412平方米，充满了《创世纪》和《出谷纪》的故事。这些巨幅壁画充分表现了中世纪基督教艺术的技艺，有着重要的价值，教堂也因此有“法国的西斯廷教堂”的美誉，被列入联合国教科文组织世界遗产名录。
传说在公元458年，萨万（Savin）和西普里安（Cyprien）试图让意大利北部布雷西亚附近的安菲波利斯的执政官马克西姆斯和拉迪修斯皈依基督教。他们被逮捕、折磨和殉道，但他们幸存下来并设法逃脱，越过了罗讷河。马克西姆斯的军队想为拉迪修斯的死报仇，在加尔唐普河畔的凯撒鲁斯（现在的昂蒂尼）追上了他们，他们一个接一个地被斩首。
这枚邮票再现了萨万和西普里安出现在拉迪修斯面前的场景：官员传唤他们放弃自己的宗教，听取他们的信仰告白，并将他们送去殉教。某些细节具有文献意义：台座、尴尬的视角、短外衣上的开肩斗篷、粘稠的辫子、高系带的凉鞋，所有这些都与加洛林王朝细密画中的人物一致。在这里我们看到了当时的艺术传统：人物从背景中脱颖而出的尖锐感，人体的常规表现，椭圆形的腹部和带有平行曲线的躯干。
1588A 乔治·皮埃尔·修拉的作品《马戏团》（1891），巴黎奥赛美术馆收藏。
乔治·皮埃尔·修拉（Georges Pierre Seurat，1859-1891）是法国画家和素描画家，是彩色发光技术或光学绘画技术的先驱，新印象主义的代表人物。他将科学带入现代绘画，研究出分色主义理论，在他的绘画中系统地使用光学分割以及黄金比例。他对色度棱镜非常熟悉，可以在黑暗中工作，凭记忆把色点放在旁边。
继《游行》和《查胡特》之后，《马戏团》是修拉专门为现代城市的流行景点和夜间表演创作的系列作品的第三部分，也是修拉最后一件杰作。一位评论家在1891年这幅画在独立沙龙展出时指出：“《马戏团》中的一切都通过类比实现了和谐，通过对立面的调和共谋一种欢快的感觉：上升的线条，连续的色调对比，橙色的明显优势，通过一个框架来突出，与整体形成色调和颜色的对立……”
两个空间是并列的：轨道和艺术家的空间，所有的曲线、风格化的藤蔓纹路和螺旋形、动态的张力，甚至不平衡；看台和公众的空间，刚性的、正交的、不动的、严格的几何学。颜色的顺序也遵守精确的规则：原始的颜色即纯光白色在画布上占主导地位，然后调色板与三种基本颜色相匹配：红、黄和蓝色，以有条不紊的小笔触进行调制，呼应线条的节奏。最后修拉通过直接画在画布上的深色边框和用同样的蓝色调处理的平面框架来隔离他的画作，这也是作品的一个组成部分。
